Le petit prince: Les Grands ballets canadiens

Il n’y a pas de mouton ou d’aviateur dans cette interprétation du Petit Prince d’Antoine de Saint-Exupéry que nous proposent les Grands Ballets canadiens mais on y retrouve ce que les Grands Ballets font de mieux : de la danse contemporaine chorégraphiée de façon imaginative et des danseurs qui éprouvent un plaisir manifeste à raconter cette histoire remaniée.

La chorégraphe d’origine néerlandaise Didy Veldman a toujours été fascinée par l’histoire du Petit Prince et il faut dire que cette fable poético-philosophique occupe une grande place dans l’imaginaire occidental : nous avons tous été nourris de « Dessine-moi un mouton », d’ « Apprivoise-moi » et de « On ne voit bien qu’avec le cœur, l’essentiel est invisible pour les yeux » et nous relisons cette histoire intemporelle avec un plaisir renouvelé pour le bénéfice de nos enfants. Mais comment rendre ce récit fantaisiste dans une chorégraphie?

Didy Veldamn a fait manifestement des choix : certains aspects de l’histoire sont escamotés, Le guide (Marcin Kaczorowski le soir où j’ai vu le spectacle) remplit le rôle combiné de l’aviateur et du renard en dirigeant le Petit Prince dans cette série de vignettes qui représentent les différentes planètes qu’il visite. Les personnages de l’allumeur de réverbère, du businessman et du buveur sont stylisés et le géographe, le roi et le baobab sont inexistants. La rose (Bryna Catherine Pascoe) s’avère lumineuse et l’arrivée du Petit Prince dans le jardin de roses donne lieu à un adorable tableau. Il y a donc plein de trouvailles de mise en scène, dont cet écran à l’arrière où l’on voit les danseurs projetés de dos, nous permettant d’avoir un point de vue sur la chorégraphie que l’on n’a pas généralement et qui, aussi, m’a semblé une métaphore pour nous faire comprendre la perspective différente du personnage principal face à la civilisation qu’il apprend à connaître et qu’il questionne.

Le décor, dépouillé, est magnifiquement servi par un rideau ondulant aux multiples fonctions. Les éclairages de Mark Parent sont impeccables et accentuent l’atmosphère onirique alors que les différentes pièces musicales sont parfaitement choisies et s’agencent tout naturellement avec la chorégraphie. Celle-ci comporte une abondance de mouvements énergiques mais aussi des moments remplis de grâces ou d’humour qui exploitent harmonieusement la formation classique des danseurs.

C’est sûr qu’il est préférable de connaître l’histoire du Petit Prince avant d’aller voir ce ballet et d’être préparé au fait qu’elle n’est pas livrée intégralement. On doit s’attendre aussi à un niveau de sophistication qui ne s’adresse pas à de jeunes enfants. Mais le spectacle est un enchantement qui, je suis sûre, va faire fureur sur les scènes internationales où Les Grands Ballets vont le présenter. Et il y a de quoi être fier.

Il y a un charmant clin d’œil au chapeau au début du spectacle, ce dessin dans « Le Petit Prince » qui semble aux adultes celui d’un chapeau justement mais qui représente, pour les enfants, un boa qui a avalé un éléphant…Le Petit Prince nous rappelle qu’il n’y a pas de mal à conserver le regard limpide du premier âge, au contraire.

Le Petit Prince est présenté à La Place des Arts jusqu’au 12 mai 2012

Par MC5

Nomixe LVII Sophie

No Title (Molly) – John Maus (3:07)

Myth – Beach House (4:19)

An Apology – Future Islands (3:44)

Hide and Seek – Mirrors (3:53)

Come On Let’s Go – Broadcast (3:17)

Gold Soundz – Pavement (2:40)

Look At Me – Villeneuve & M83 (4:37            )

Black Water – Apparat (4:43)

Candy Walls – TRUST (5:28)

Airwalker – Jeremy Jay (3:36)

Bay Of Skaill – The Magnetic North (4:49)

All We Ever Wanted Was Everything – Bauhaus (3:52)

Tous les matins à la garderie il y a un père qui reconduit son petit garçon à la même heure que vous. Le père est gros, il porte un t-shirt des Simpsons et il sent la cigarette. Vous pensez que :

A) Son petit garçon ne doit pas manger suffisamment de fruits et de légumes frais

B) Il doit être sur le BS et le système fait en sorte qu’il se pogne le cul toute la journée alors que les contribuables assument les frais de la garderie du petit

C) Il parle mal, il n’est pas éduqué, c’est un épais

D) Toutes ces réponses

Et c’est exactement ce que se dit la mère d’Alice (Catherine Larochelle) qui, du haut d’une supériorité morale dont elle s’est affublée et qui vient on ne sait d’où, juge et évalue les personnes de son entourage sans se gêner du tout. Le père en question (Guillaume Cyr), le père de Billy, n’est pas sur le BS (comme quoi les apparences sont trompeuses), il est préposé à la pose des babillards à la Commission scolaire et doit composer avec la hargne d’une secrétaire (Louise Bombardier) qui attend cet accessoire essentiel à l’accomplissement de ses tâches depuis plus de neuf mois.

Billy, c’est la comédie des erreurs, des malentendus et de l’incompréhension. Les jugements portés par les personnages vont de l’infiniment petit à l’infiniment grand, on critique son voisin, son collègue de travail mais aussi les autres classes sociales, les syndicats, les différents paliers de gouvernement, ces mystérieux « ils » responsables de tous nos malheurs et qu’on soupçonne mêlés à tous les complots. La pièce nous met le nez dans notre chiâlage perpétuel alors que, somme toute, à bien y penser, nous ne sommes pas si mal lotis. Mais alors que la critique peut être constructive, dans Billy elle détruit tout sur son passage et contribue à l’aliénation des personnages.

C’est une pièce à trois voix donc qui nous raconte de terribles événements qui surviennent un matin de tempête de neige. Les espaces, stylisés et aseptisés, sont remarquablement exploités par la mise en scène de Sylvain Bélanger dans l’espace exigu de La Licorne et les trois comédiens tirent tous admirablement leur épingle du jeu. Ils parlent rapidement et en alternance et il faut être attentif pour ne rien perdre des trois discours belliqueux qui se heurtent, qui bifurquent et qui vont finir par se rejoindre, remplis d’un mépris plein de venin envers leurs semblables. Billy fait partie de ces textes qui nous jettent en plein visage nos failles et nos faiblesses et l’enlisement mortifère qui ne caractérise que trop les sociétés occidentales où on ne va pas voter mais où on se plaint constamment des gens qui nous dirigent. C’est s’exposer à d’innombrables périls que de prendre la démocratie pour acquise.

Billy a obtenu le Prix Gratien-Gélinas en 2011 et on comprend pourquoi. Et bien qu’il soit ancré dans la réalité contemporaine, je crois que c’est un texte qui va résister au temps à cause du thème universel qui l’habite : cette manie qu’ont les humains de juger sur les apparences, à l’emporte-pièce, sans réfléchir et avec parfois des conséquences effroyables. Et sans apprendre de leçons de tout cela.

Billy est présenté à La Licorne jusqu’au 18 mai 2012

Par MC5

Joyce Carol Oates est cette femme de lettre américaine qui se retrouve chaque année sur la liste des potentiels Prix Nobel de littérature et qui a écrit à ce jour plus de soixante-dix livres dont un essai sur la boxe et un roman mettant en scène Marilyn Monroe. Elle enseigne toujours à l’Université Princeton et est considérée, à 73 ans, parmi les auteurs américains les plus importants et les plus prolifiques.

C’est de son théâtre qu’il s’agit ici : L’éclipse , publiée tout d’abord en 1991, raconte l’histoire d’une mère et d’une fille qui vivent une paradoxale osmose. Elles s’aiment et se détestent, pensent de la même façon mais ne se comprennent pas et sont emblématiques du problème qui fait en sorte qu’on ne peut ni vivre sans, ni vivre avec.

Jamais je n’ai vu sur une scène la relation parfois tordue entre mère et fille représentée avec autant d’acuité et de justesse. Et cette relation particulièrement complexe tient aux deux générations qui s’affrontent : d’une part la mère, Muriel, née dans les années 1920 qui, quoiqu’un peu éduquée, a dû abandonner ses rêves de devenir astrophysicienne parce qu’elle était une femme et que les femmes, en ce temps-là, ne faisaient pas ce genre de choses. D’autre part, sa fille, Stéphanie, née au début des années 50, pur produit du féminisme, militante convaincue impliquée dans des mouvements sociaux et qui pense à se lancer en politique afin que les femmes puissent enfin s’exprimer de façon valable autrement qu’avec les critères habituellement décrétés par le pouvoir masculin. Elles habitent ensemble dans un petit appartement. Et ce sont deux univers qui s’affrontent mais le spectateur comprend bien vite que ces deux univers possèdent chacun des justifications pour agir comme ils le font.

Il y a un fond de jalousie chez Muriel face à cette fille qui a eu des chances incomparables. Elle a pu s’instruire, elle a obtenu le contrôle de sa reproduction, elle connait la liberté sexuelle. Mais du côté de Stéphanie, le militantisme et l’engagement social se doublent d’un désolant conformisme qui reçoit bien mal les lubies de Muriel qui n’en est pas à une excentricité près. La fille ne peut pas supporter la mère, la mère ne peut pas supporter la fille et le lien souvent malsain qui les unit, hélas, ne les rend pas plus fortes. Mais c’est Stéphanie qui paiera le prix le plus élevé.

Évidemment André Lachapelle est fantastique dans le rôle de Muriel. Les nuances de son jeu sont uniques, nous faisant sentir la peine, le désarroi, le brin de folie aussi qui habite ce personnage hors du commun. En face d’elle, Ansie St-Martin souffre un peu de la comparaison. C’est toujours comme ça quand on se mesure à un monstre sacré. Mais la barre est tellement haute qu’on ne saurait trop lui reprocher l’absence, parfois, de nuances dans l’approche du personnage qu’elle incarne. La mise en scène de Carmen Jolin est parfaite. L’espace réaliste et exigu est exploité à son maximum, il reflète la claustrophobie de cet univers et le fait qu’il n’existe pratiquement pas d’issue à ce conflit. Maryse Warda a fait une traduction impeccable où le fait que l’action se passe aux États-Unis n’entrave en rien l’universalité du propos. Et les éclairages et la musique contribuent à l’atmosphère particulière de L’éclipse.

Cette mère et cette fille n’ont pas trouvé cette entente secrète et idéale qui crée les liens émotifs les plus puissants et les plus féconds. Je ne crois pas que cela tienne uniquement à un conflit de générations, Dieu sait que les relations mère/fille peuvent être difficiles sous tous les cieux et à toutes les époques. Joyce Carol Oates nous les montre situées dans un certain contexte, avec beaucoup d’éloquence et toute la profondeur que nécessite la peinture de l’âme humaine, de l’âme des femmes.

L’éclipse est présentée par le Groupe La Veillée au Théâtre Prospero jusqu’au 19 mai 2012

Par MC5

Tout spectateur de théâtre assidu sait qu’il y a certains types de spectacles qui auront plus de chances de lui plaire que d’autres. Cela n’a rien à voir avec la qualité de la production, il n’est question ici que d’atomes crochus et de préférences personnelles. Certains spectateurs souhaitent d’abord et avant tout se faire raconter une histoire, dans la plus pure tradition de la narration classique. Ils apprécieront la beauté et la justesse historique des costumes, ils seront émus devant le destin tragique du héros, et heureux de l’être. D’autres, qui s’emmerderaient mortellement là où les premiers léviteraient de bonheur, ne sortiront ravis de la salle de théâtre qu’après avoir assisté à un exemple de destruction de chacune de ces conventions traditionnelles du théâtre, donnant ainsi naissance à une bibitte artistique étrange et à quantité de questionnements…

Bref, il est plutôt difficile d’inviter au théâtre un fan de pièces iconoclastes et sa grand-mère (que l’on suppose ici un peu plus traditionnelle!), et que les deux sortent satisfaits de leur soirée. C’est pourtant l’exploit que peut relever la pièce D pour Dieu?.

Simon Boudreault, très remarqué avec sa production Sauce brune en 2009, est derrière l’écriture et la mise en scène de cette nouvelle pièce, sans compter qu’il interprète aussi le personnage principal et qu’il participe à la manipulation de quelques marionnettes. Pas étonnant qu’il parle de D pour Dieu? comme d’un « faux spectacle solo », auxquels contribuent le musicien Maxime Veilleux ainsi que la marionnettiste et comédienne Karine St-Arnaud.

C’est à une traversée de l’existence d’un petit bonhomme qui deviendra grand, au propre comme au figuré, que le spectateur est convié. Nous sommes témoins des questionnements philosophiques et des aléas de la vie du personnage, l’un et l’autre s’influençant mutuellement. De l’utérus à l’âge adulte, les petites déceptions du quotidien remettent en question sans relâche la conception de la place du personnage dans le monde, et les virages philosophiques modèlent à leur tour l’identité et les actions de l’individu. Ce sont les premières purées au goût âcre qui constitueront le point de départ de ces réalignements métaphysiques pour le bébé qui se croyait Dieu.

Boudreault s’attaque donc au sujet de la spiritualité et de la philosophie, thématiques qui se font discrètes sur les scènes par les temps qui courent, mais sans tomber dans l’écueil de la parole désincarnée grâce à la relation toujours dynamique entre la parole et l’action, la réflexion et l’émotion.

L’univers créé sur scène est intrigant. Les marionnettes souvent synecdotiques laissent juste assez de mystère pour que le spectateur participe à l’histoire avec son imagination, et on ressent bien l’influence de l’art du conte dans la narration. L’environnement sonore minutieusement ciselé créé par le musicien sur la scène est remarquable et la scénographie polyvalente ne manque pas d’ingéniosité. Pour ce qui est du texte, il s’aventure souvent sur le terrain du ludisme, mais c’est l’authenticité du personnage auquel il donne naissance et le caractère universel des expériences et des réflexions qu’il aborde qui sont ses meilleures cartes.

À l’évidence, les qualités de cette production sont impressionnantes et offrent véritablement quelque chose d’agréable et d’intéressant pour à peu près tous les types de spectateurs. Ceux qui aiment voir de belles images en verront, notamment avec une marionnette qui représente en format géant une partie de visage animée par d’habiles éclairages. Ceux qui aiment la profondeur seront bien servis par la seconde partie du spectacle, plus sombre et dramatique, qui nous fait nous approcher des rives du nihilisme et de l’existentialisme sans les nommer. Ceux qui aiment tout simplement être transportés par l’histoire d’un héros ou d’un anti-héros le seront sans peine, grâce à la performance de Boudreault. Sur la base de préférences personnelles, on peut être plus réceptif à certains aspects de l’œuvre plutôt qu’à d’autres. Mais D pour Dieu?, ce n’est pas une comédie, ce n’est pas un drame, ce n’est pas un spectacle de marionnettes, ce n’est pas un conte philosophique. C’est la preuve encore une fois que le tout est supérieur à la somme des parties.

D pour Dieu? est présenté à la salle Jean-Claude-Germain du Théâtre d’aujourd’hui jusqu’au 19 mai 2012.

Par Isabelle Payette

Alvin Ailey American Dance Theatre 

C’est sur une scène dépouillée et avec des éclairages sans beaucoup d’artifices que la troupe d’Alvin Ailey se produit à la Place des Arts. Et ce dépouillement nous permet d’apprécier pleinement l’éblouissante technique qui caractérise la plupart des danseurs de cette compagnie américaine.

Le programme qui nous est proposé lors de cette tournée est éclectique et, franchement, il y en a pour tous les goûts. La première pièce, Streams, qui date des années 70, relève du ballet abstrait à la Balanchine mais avec une musique de Miloslav Kabelac qui n’est pas sans rappeler du Maurice Béjart. C’est un moment plus difficile d’accès, plus intellectuel que ce qui va suivre mais qui nous donne une idée de la qualité de la performance des danseurs. In/Side qui suit est un solo de Yannick Lebrun sur une chorégraphie de Robert Battle. Lebrun, un extraordinaire danseur originaire de la Guyane française, transmet toutes les émotions du monde sur une chanson de Nina Simone : c’est à travers son corps que l’on sent les amours perdues, retrouvées et perdues de nouveau. Suivra Takademe, un autre solo dansé par Renaldo Gardner, plein d’humour et de fantaisie. La pièce suivante, The Hunt, met en scène des rites tribaux qui précèdent la chasse. Sur un rythme effréné de tambours la danse nous fait saisir cette harmonie brute qui unit des hommes convergeant vers un but commun et sanglant mais dont dépend leur survie. Il s’agit d’un morceau très intense qui nous laisse pantelant. La soirée se termine avec Revelations , la chorégraphie créée en 1960 par Alvin Ailey et qui, sur des chansons traditionnelles de Gospel et de Negro Spirituals, nous transporte dans le sud des États-Unis pour vivre la vie des esclaves noirs. C’est un magnifique moment qu’on voudrait voir s’éterniser : la danse, les couleurs, les costumes, les accessoires, tout concourt à nous transporter dans les champs de coton où la musique et les chants constituaient l’une des rares consolations à une vie misérable d’où tout espoir semblait exclu. C’est grâce à Alvin Ailey, disparu trop tôt en 1989, que cet héritage culturel inestimable nous est parvenu, c’est grâce à lui qu’une troupe presqu’exclusivement composée de noirs peut entreprendre des tournées mondiales et connaître un phénoménal succès en puisant dans les racines de leur culture, afin que nous n’oublions pas.

Et peut-être sont-ils un peu victimes de leur succès : la Salle Wilfrid-Pelletier était remplie le soir de la première et je ne doute pas qu’elle le sera aussi pour le reste des représentations. Mais j’avoue que j’aurais aimé une salle permettant une plus grande proximité avec les danseurs. Bon, on ne peut pas tout avoir.

Ces danseurs n’ont rien à envier aux athlètes de haut niveau, ce serait en fait plutôt le contraire. Le spectateur reste pantois d’admiration devant l’exigence des chorégraphies, devant la performance à la fois robuste et gracieuse mais toujours d’un athlétisme redoutable qui se déroule sous ses yeux. Si les danseurs s’exposent à d’innombrables périls physiques, ils le font avec une intense jubilation, une célébration des corps qui devient aussi une célébration des âmes. Les danseurs de Alvin Ailey suscitent la ferveur et nous font comprendre qu’ils ont assimilé le savoir du maître tout en conservant la vive ardeur et l’enthousiasme des débutants. Inoubliable.

Alvin Ailey American Dance Theatre donne des représentations à la Place des Arts les 19, 20 et 21 avril 2012

Par MC5

Il y a beaucoup de chiens dans cette fable du marionnettiste Ronnie Burkett. Il y a Geoffrey, le chien de Penny Plain, qui veut devenir un homme, il y a le chihuahua et le poodle qui postulent la place laissée vacante par Geoffrey après qu’il soit parti accomplir sa quête, il y a Tuppence, la petite fille qui obtient le poste en prétendant être un chien…Mais qu’on ne s’y trompe pas, il ne s’agit pas là d’un spectacle pour enfants. Le sujet est grave même si des éclairs d’hilarité ponctuent la représentation.

Penny Plain est une vieille dame aveugle qui tient une pension. À la radio, les nouvelles sont mauvaises : épidémies, catastrophes, cataclysmes divers causent la mort de millions de personnes sur la planète, la survie du genre humain est en jeu. Les habitants de la pension, des personnages tous plus colorés les uns que les autres, s’affairent donc dans la foulée à révéler, parfois bien malgré eux, leur vraie nature et les motivations diverses qui les poussent à agir comme ils le font. Parmi eux, Geppetto, le père de Pinocchio à qui Evelyn French, une autre pensionnaire, demande de lui fabriquer un enfant, Jubilee, un homme mûr habillé en femme qui prend soin de son exécrable mère pour qui les insultes à caractère scatologique n’ont pas de secrets et Mr. Dollop, un banquier au cœur tendre. Le tout donne une comédie humaine à la fois savoureuse et tragique où l’incongru (les marionnettes) devient familier.

Au total, plus de trente marionnettes se retrouvent sur la scène et il faut ici souligner la maestria de Ronnie Burkett. Ce canadien-anglais originaire de l’Alberta et qui réside maintenant à Toronto les manipule seul tout en faisant les diverses voix de ce spectacle qu’il a écrit, conçu et mis en scène. Je suis sûre qu’après une heure quarante-cinq il n’en peut plus car c’est un véritable tour de force qu’il accomplit : je pensais à la coordination, à la concentration et la présence d’esprit que peut nécessiter un tel exploit et à la fin j’avais envie de me prosterner en poussant des cris d’admiration…J’ai apprécié aussi que dans le programme on donne les crédits aux fabricants des marionnettes, à ceux qui les habillent , qui les sculptent et les poncent, des artisans qui demeurent dans l’ombre mais sans qui rien ne serait possible. Mais il n’y a pas seulement la maîtrise technique. Penny Plain est aussi une réflexion sur le genre humain dans l’acception la plus large du terme : qui sommes-nous, comment le vivons-nous et comment réagirions-nous aux abords de l’Apocalypse? Et ici le genre est transgressé, des animaux veulent être des hommes, des humains désirent être des chiens, les hommes portent des robes, c’est l’apologie du transgenre, mais d’un transgenre auquel on n’a pas nécessairement pensé. D’ailleurs, au bord de l’abîme et de la mort, à quoi peut bien tenir notre identité?

Penny, la délicieuse vieille dame aveugle qui voit dans le cœur de tous, est le fil conducteur de cette réflexion. On est touché lorsqu’on découvre dans une scène très forte ce qui a causé sa cécité et son amour indéfectible des chiens. Ce spectacle recèle plusieurs moments poignants mais réussit à parler de l’anéantissement sans arracher de larmes aux spectateurs et on quitte la salle en éprouvant une nostalgie certaine parce qu’on ne quitte pas une histoire mais un monde. Tout en sachant qu’on a assisté à une autre démonstration du poids de la bêtise dans l’Histoire.

Penny Plain  est présenté à la Cinquième salle de la Place des Arts en anglais jusqu’au 21 avril 2012

Par MC5

Leçon d’hygiène, bestialités et mets canadiens

Il y a de ces propositions théâtrales qui sont plus intéressantes sur papier que dans leur concrétisation sur scène. Comment ne pas être intrigué par un spectacle qui se présente comme un happening culturel multidisciplinaire inaugurant la Révolution Artistique, articulé autour d’un sacrifice humain? Le titre de cette pièce, clin d’œil plein d’autodérision aux interminables titres abscons de certaines œuvres, aurait suffit à lui seul à me faire accourir au théâtre.

Le début de la représentation était à la hauteur de l’événement annoncé : au moment d’entrer dans la salle, les spectateurs sont invités à prendre place dans l’aire de jeu dont la scénographie représente une galerie d’art contemporain. L’effet est réussi, on se croirait à un vernissage et une atmosphère intéressante s’installe. Incarné par Michel Monty, le metteur en scène de cette création collective, le maître de cérémonie ouvre le bal. Tablette numérique à la main, bilinguisme tendance à la bouche, il nous présente une biographie de Zoutan, l’artiste qui a eu l’idée irrésistible de ce rituel, exécuté en son absence par d’autres créateurs qui en ont fait leur maître à penser. On a même droit à un commentaire hilarant sur quelques-unes de ses toiles que le public peut admirer, pastichant ainsi un certain discours hermétique sur l’art dont la complexité semble inversement proportionnelle à celle de l’œuvre. C’est quand les spectateurs gagnent les gradins que le processus, comme on l’appelle, peut enfin commencer.

Igor, un livreur de pizza d’origine russe, s’est porté volontaire pour le sacrifice. Fortement médicamenté et anesthésié, celui-ci restera conscient tout au long de sa lente mise à mort, et l’on veillera à acquiescer à chacune de ses demandes, question d’éviter que le processus ne puisse être qualifié de barbare, bien sûr.

Chaque étape du dépeçage du sacrifié alimente un processus créatif : on peint avec son sang, on danse avec son bras coupé à la scie ronde, on mitonne des chefs-d’œuvre culinaires avec sa viande. Si les performances qui se succèdent parodient les méthodes de création provocatrices vues à l’occasion sur nos scènes, l’on n’épargne pas non plus le discours sur la création, copieusement écorché dans les ridicules scènes de tables rondes entre artistes.

Ce spectacle n’aurait pas pu être présenté à un autre moment que celui : vers la fin de la saison théâtrale. C’est défoulant de rire du milieu artistique et de ses travers avant les vacances… Les spectateurs se sont bidonnés souvent pendant la soirée. Par contre, l’aspect énergisant et inclusif du concept de happening n’a pas fait long feu : les interactions avec le public étaient bien moins nombreuses que ce que l’on aurait pu attendre, et la spontanéité à laquelle on voulait prétendre, notamment en annonçant un spectacle sans durée prédéterminée, est virtuellement inexistante. Une fois que l’on a compris que le spectacle suit une structure répétitive convenue, il n’y a plus de surprise, ce qui constitue un défaut difficile à pardonner pour un spectacle de ce genre qui veut nous faire vivre un événement particulier. L’aspect comique s’est pour moi rapidement émoussé. Heureusement, quelques moments particulièrement savoureux, c’est le cas de le dire, ressortent du lot. Ceux du chef obsédé par la qualité de ses produits, gracieuseté de la performance délirante de Justin Laramée, cristallisent si bien les tendances du moment, qu’ils nous resteront en tête et nous feront sourire encore un bon moment.

La seule et unique question sur laquelle se penche réellement cette pièce est exprimée telle quelle : est-ce à la société de s’intéresser à l’artiste, ou à l’artiste de s’intéresser à la société? En d’autres mots, les efforts faits pour expliquer et apprécier certaines démarches artistiques conceptuelles extrêmes sont-ils ridicules? Cette question est posée dès le commentaire sur les toiles. Tout le reste de la représentation ne fait que la reposer à nouveau, à travers différents exemples. C’est la limite de cette pièce : on reste sur la même note tout au long de la soirée. À la longue, la machine finit par tourner un peu à vide. C’est pourtant exactement ce que veulent déplorer les créateurs de la production chez d’autres.

Leçon d’hygiène, bestialités et mets canadiens est présenté au théâtre La Chapelle jusqu’au 21 avril 2012.

Par Isabelle Payette

Les peintres du charbon de Lee Hall

En 1934, à Ashington, dans le nord de l’Angleterre, un groupe de mineurs s’est mis à la peinture. Ces hommes frustres, incultes, sans éducation formelle et sans formation académique qui travaillaient dans la mine depuis qu’ils avaient dix ans, six jours par semaine et douze heures par jour, ont peint des tableaux dont certains se sont retrouvés dans des musées. C’est cette extraordinaire histoire que raconte la pièce de Lee Hall, Les peintres du charbon.

Il y a du Germinal de Zola là-dedans. Le charbon étant le combustible le plus utilisé en Angleterre, l’industrie minière employait des dizaines de milliers de personnes, les conditions de travail étaient difficiles, les accidents fréquents, les salaires bas. Les mineurs avaient peu d’espoirs de voir leur sort s’améliorer mais  leurs syndicat, du moins celui de Ashington, les encourageait à s’ouvrir à d’autres horizons et leur offrait divers cours de formation. C’est ainsi que certains d’entre eux se sont retrouvés dans un cours d’Initiation à l’art.

Gabriel Sabourin incarne l’historien de l’art qui va dispenser le cours. Et il rend parfaitement ce personnage condescendant et un rien méprisant qui se rend bien vite compte que les ploucs qu’il a en face de lui n’en ont rien à foutre du quattrocento. C’est pourquoi il va leur suggérer de peindre ce qu’ils connaissent, ce qu’ils vivent, ouvrant ainsi les vannes d’une créativité qui va déferler de façon ahurissante. Les premiers surpris étant les mineurs eux-mêmes qui ne s’attendaient certainement pas à avoir du talent.

La pièce jouit d’une distribution éclatante, tout le monde est juste et tire élégamment son épingle du jeu. Se démarque cependant Emmanuel Bilodeau qui joue Oliver Kilbourn, celui qui connaîtra le plus de succès et qu’on voit en proie à ses démons lorsqu’il s’agit de peut-être trahir sa nature intrinsèque et le milieu dont il est issu. Mais tous les autres comédiens sont vraiment excellents et négocient avec aisance dans ce texte qui est une traduction de Monique Duceppe qui rend compte des différents accents et donc des différences de classes sociales avec acuité et sensibilité sans jamais sombrer dans la caricature.

Il est fascinant d’entendre ces mineurs lors de leur première visite dans un musée de Londres. Leurs commentaires sont bien loin du discours pompeux et abscons qui caractérise trop souvent la critique d’art. Ils tiennent des propos tout à fait rafraîchissants sur ce qu’ils voient et la justesse et la profondeur de ces mêmes propos nous fait réaliser qu’il n’est pas nécessaire d’avoir un diplôme en histoire de l’art pour apprécier et parler avec cœur et intelligence des œuvres avec lesquelles on entre en contact. (Sauf peut-être pour l’expressionisme abstrait.) Le premier acte de la pièce se termine sur cette visite où les mineurs ont vu pour la première fois de leur vie des toiles de Van Gogh et leur hommage à cet artiste torturé et incompris de son vivant est rempli d’admiration et d’émotion. C’est un moment inoubliable.

La mise en scène de Claude Maher est impeccable. Surtout portée par les dialogues ou les conversations, la pièce aurait pu se révéler statique alors que ce n’est absolument pas le cas. Le metteur en scène a eu l’idée d’un immense tableau où sont projetées les œuvres dont on parle de même que des films d’archive montrant les conditions de travail des mineurs. Et ce sont, bien sûr, les vraies œuvres de ces hommes que rien ne prédisposait à l’art et je vous jure que certaines sont étonnantes de par leur beauté et leur contenu.

Cette histoire est un miracle. On sort de là inspiré, la tête pleine de réflexion sur le pouvoir salvateur de l’art et sur le fait que tout le monde, sans exception, a quelque chose à dire et à exprimer. Il ne s’agit que de trouver la façon.

Les peintres du charbon est présenté au Théâtre Jean-Duceppe jusqu’au 12 mai

Par MC5 

C’est un grand bonheur que de voir du grand théâtre. Et c’est formidable lorsque des spectacles de qualité supérieure sont repris afin de donner la chance à ceux qui ont raté les représentations de l’année dernière de pouvoir enfin assister à ce qui est en train de devenir un événement incontournable de notre dramaturgie. Je n’avais pas vu Tout ça m’assassine l’automne dernier, j’ai remédié à tout cela et en suis sortie plus que ravie.

Parce que tout est exceptionnellement bon là-dedans : les textes, les comédiens, la mise en scène, la musique. C’est du théâtre comme il ne s’en fait pas assez : qui nous interpelle, qui nous fait rire et qui nous fait pleurer, qui nous retrace les grandes lignes de notre Histoire, qui nous donne un cours d’économie 101 et qui nous accompagne aussi dans des élans de poésie à la fois lyriques et terre-à-terre. Ce que j’ai ressenti s’apparente à l’état d’esprit qui m’habitait lorsque je suis sortie de L’invention du chauffage central en Nouvelle-France . Vous savez bien, lorsqu’on le sentiment très net qu’on vient de voir et d’entendre quelque chose d’important et d’exceptionnel et qu’on veut convaincre tout le monde d’aller voir ça.

J’ai connu le poète Patrice Desbiens jadis en Ontario, je l’ai croisé par la suite au Festival de poésie de Trois-Rivières. J’ai toujours aimé sa poésie du quotidien habitée cependant par un immense désespoir et un effrayant sentiment d’urgence et de solitude. Sylvain Marcel nous l’interprète magnifiquement dans cette taverne où se croisent d’improbables partenaires et des destins tordus. La musique des mots de Desbiens est unique, il utilise avec le même bonheur l’allitération lyrique (elle éternue, nue et éternelle ) qu’un langage familier, abrupt, cru pour nous faire visiter un univers que nous connaissons tous mais que nous n’avons jamais vu ainsi.

Alexis Martin, mon idole, fait état de ses réflexions face au travail, à la sécurité financière, à la course à la consommation dans le texte de Pierre Lefebvre. Je pense qu’Alexis Martin est probablement le comédien le plus intelligent de la province. Avec lui il y a toujours plus, du sous-texte, des sous-titres, une autre épaisseur, d’autres mots encore et d’autres significations sous le palimpseste de la créativité. Il est drôle, mordant, lucide, triste aussi lorsqu’il s’interroge sur le travail et la réussite sociale comme vecteurs de l’épanouissement individuel avec comme leitmotiv Get to the top, pis vite à part de ça.

Et puis dans le texte de Dominic Champagne, qui signe aussi la parfaite mise en scène, deux huluberlus joués par Antoine Bertrand et Mario Saint-Amand nous entraînent dans le constat cruel de la situation du Québec d’aujourd’hui. Les deux personnages s’en vont aux funérailles de René Lévesque en novembre 1987. En marchant sur la 20 entre Montréal et Québec ils nous racontent ce que nous sommes devenus depuis nos premières velléités de coureurs des bois, notre premier contact avec la beauté et la liberté. L’un est optimiste, l’autre pessimiste mais ils sont tous les deux coincés, comme nous tous en somme, entre un passé mort et un avenir à naître, dans un no man’s land culturel, social et politique. Et si c’est drôle, c’est également d’une infinie tristesse.

Les musiciens qui accompagnent le spectacle, Eric Asswad et Charles Imbeau, sont impeccables et soulignent toujours judicieusement ce qui doit être souligné.

Tout cela est magnifiquement orchestré, rodé et livré . Voilà du grand théâtre, du théâtre important qui nous laisse avec des émotions contradictoires et des questions non résolues. Parce que le théâtre c’est aussi cela : nous confronter à notre propre finalité. Et, non , ce n’est pas très rassurant. C’est pourquoi il faudrait commencer à chercher des réponses.

Tout ça m’assassine est au Théâtre Outremont les 29, 30 et 31 mars et est repris à la Cinquième salle de la Place des Arts du 3 au 13 octobre 2012.

Par MC5